¡Hola hola! Al fin subo esto, por Dios...
Bueno, a ver, quiero tratar algunos puntos sin que mueran en el proceso y por el orden de intrerés que tendrá para vosotros (y no siguiendo el criterio de lo que es más importante para mí). Irán por parráfos y son los siguientes:
Introducción: Este escrito es un análisis de algunos aspectos de la película Ghost in the Shell de 1995 ante su nueva versión del 2017. Dentro de la ficción, como es lógico, podemos imaginarnos el futuro de la forma que queramos; puede ser uno post-apocalíptico con un ambiente de pobredumbre que lo impregna todo o uno más utópico, pacífico e ideal. “El cyberpunk es un subgénero de la ciencia ficción cuyo mayor representante literario es William Gibson, quien escribió la novela “Neuromante”; publicada en 1984. Y esta obra comparte muchas similitudes con la película que se va a tratar, tanto en su forma visual, su dialéctica y argumento”. (Ivoox, David Baltha, 2015).
Bueno, a ver, quiero tratar algunos puntos sin que mueran en el proceso y por el orden de intrerés que tendrá para vosotros (y no siguiendo el criterio de lo que es más importante para mí). Irán por parráfos y son los siguientes:
Introducción: Este escrito es un análisis de algunos aspectos de la película Ghost in the Shell de 1995 ante su nueva versión del 2017. Dentro de la ficción, como es lógico, podemos imaginarnos el futuro de la forma que queramos; puede ser uno post-apocalíptico con un ambiente de pobredumbre que lo impregna todo o uno más utópico, pacífico e ideal. “El cyberpunk es un subgénero de la ciencia ficción cuyo mayor representante literario es William Gibson, quien escribió la novela “Neuromante”; publicada en 1984. Y esta obra comparte muchas similitudes con la película que se va a tratar, tanto en su forma visual, su dialéctica y argumento”. (Ivoox, David Baltha, 2015).
Si según Roland Barthes: “todo texto es un
tejido creado por múltiples dimensiones culturales que contrastan con otras…”
(La muerte del autor, 2003); eso significa que la definición de intetextualidad
de Gérard Genette la cual es: “un texto alineado con otros textos”
(Palimpsestos, 1989), y por ende nos da la oportunidad de poder descifrar los
textos (en este caso películas) que podemos obtener gracias a nuestras cogniciones
individuales y culturales.
1. Mamoru Oshii y Rupert Sanders, diferentes formas de ver y hacer cine:
Mamoru Oshii, (8 de agosto de 1951 – aún vivo) director, animador y guionista japonés. Tiene
la habilidad de manejar las propuestas filosóficas que trata en sus películas, no
siguiendo una fluidez lineal sino siguiendo una misma narrativa, la cual el
espectador tendrá que ordenar según sus criterios, plantando ideas a través de
alegorías o símbolos que se vuelven índices de íconos, explicando sin la
necesidad de un elemento lingüístico, justo como diría Barthes al respecto: “Escribir consiste en alcanzar el
punto en el cual sólo el lenguaje actúa y no el autor”. Si analizamos su biografía, nos
podemos dar cuenta es un creyente católico, lo cual explicaría muchas
cuestiones, pues en todas sus películas trata la simbología de dicha religión
mezclando esos signos con otras simbologías de la cultura de oriente, desde que
sus personajes citen frases de la Biblia que le dan un peso importante al guión
hasta hacer homenaje a varios discípulos de Jesús, encarnándolos en sus
personajes ficticios. Él empezó creando las primeras “ovas” de la historia
(formato de animación de poca duración sin necesidad de que sigan una historia
lineal), en su historia llamada Dallos
en la cual se podía apreciar sus preferencias por la ciencia ficción unida a la
filosofía. Luego lanzó 1995 Ghost in the
Shell. (Directores japoneses, Lolweapon, 2017). En cambio Rupert Sanders (16 de
marzo de 1971 – aún vivo) es un director “nuevo” en la industria
cinematográfica, su primera película que lo lanzó en 2009 se llamaba The Life donde ya se podía ver su gusto
por la acción y la ciencia ficción, además de que la paleta de colores de ésta
fue la que motivó a que otras películas imitaran esa sensación de obscuridad
adulta, además de que ganó con ésta 2 leones de oro en Cannes. Después lanza en
2017 la adaptación de Ghost in the Shell
donde pudo exprimir todo su gusto por la acción, las persecuciones y las
protagonistas femeninas. La película de Sanders cuenta con un diseño de
producción espectacular, una ambientación calcada a la original y una
fotografía que consigue la ardua tarea de replicar algunas de las tomas más
recordadas de la cinta del 1995.
2. Los remakes; la nueva fórmula: Como se
habrá notado, el cine americano gusta de hacer “remakes” (película o series
basadas en un producto original y se actualizan a la concepción moderna, a
veces como homenaje para la misma serie o película o como un plagio). Siendo
las películas japonesas un objeto de gran atención, siendo que el cine nipón
siempre ha estado presente en cuanto a la industria cinematográfica, tal vez no
con el mismo impacto que el cine estadounidense pero si atrapando a más público
joven, porque como Levi Strauss diría: “Las culturas comparten mismos elementos
pero con diferentes conceptos”. La primera película “remake” que varios
historiadores consideran entre el cine estadounidense y el cine nipón es: Los 7 samuráis, la cual tuvo su versión
western llamada Los 7 magníficos. Y
así con películas como Paprika (la
original) e Inception (versión
gringa) o inclusive Perfect Blue (la
original) y Black Swan (versión
gringa). Pero una versión no asegura el éxito. Está claro que se implantó una nueva moda, un gusto
por lo japonés y por las diferentes historias que suelen ofrecer, ya sea por
nostalgia, curiosidad o según Genette: “por el instinto humano de querer buscar
diferentes maneras de contar una historia”.
3. Análisis: Hay
una gran diferencia con la propuesta inicial de la nueva película ante la original,
pues el espectador que ha visto la película original, la conoce , espera ver y sentir
lo mismo que sintió la primera vez que la vio, percibirá algo que falta o
falla, como ya conoce los signos originales y el “orden y sentido” que le dio
al producto original le costará trabajo ver el nuevo producto como algo
original, percibiéndola sólo como un homenaje pero tampoco va a considerarla
como un plagio pues el espectador es conciente de que él nuevo director no
tenía intención de copiar la idea original y venderla como suya, sino adaptarla
de manera distinta. Pero ante todo esto, al receptor le costará trabajo
adaptarse a las nuevas ideas que causen un enfrentamiento a su realidad de sus
contradicciones, limitaciones o fracasos. ¿A qué quiero llegar con esto? Pues, como diría Walter Benjamin, “Al
ser cambiadas las obras originales, se distorsiona su aura pura y original” (La
obra de arte en su época de reproductividad, 2003). Pero si ampliamos un poco
el panorama, en el arranque de la primera película tenemos la creación de la
protagonista “Mayor” junto a los icónicos e inconfundibles cantos en japonés
antiguo que anuncian el nacimiento de un nuevo ser, la cual es la canción
icónica de la película original y que solo aparece en los créditos finales de la nueva película (empezamos mal ahí).
Luego avanzamos a un brutal asesinato en una ciudad cargada de su publicidad y
con pobladores fantasma, con lo que sabemos que el eje de la trama estará ahí:
alguien, por alguna razón, quiere matar a esa gente y seguramente el culpable
será uno de ellos. La nueva versión empieza de manera similar, con una canción diferente pero con
las mismas tomas sobre el cuerpo de Mayor cuando está siendo creada pero
entonces, en el desarrollo del metraje, se presentan las relaciones entre los
personajes protagónicos, sus líos y amistades que se tratarán en toda la película,
y es hasta que al final donde la película cierra de manera abrupta como si con
un final abierto compensara lo faltante, dejando de lado el contenido
filosófico y enfocándose más en la resolución del misterio, que podría
compararse con un episodio de Scooby Doo, pues el villano principal en vez de
ser un “ente” dentro de un cuerpo robótico que tiene omnipresencia en la nueva
es sustituido por un cyborg que busca llevar a Mayor a su lado.
- Pero, destacar lo ingenioso que puede ser un escenario, si está bien planteado, puede llevar al espectador por un viaje más largo pero siempre con la sensación de que todo calza y que además está entendiendo lo que pasa. Ambas películas han sido una de las producciones más increíblemente detalladas y perfeccionistas, en cuanto en sus escenografías, que he visto en mi vida. La ciudad en ambas películas busca hablarle al espectador sin necesidad de palabras explícitas sobre la sociedad que vive en ella, convirtiéndose en un reflejo casi directo con todo y sus heridas. Sin embargo, las tramas secundarias, en el caso de la segunda película no están mal en el aspecto de la narración lineal, pero no están bien llevadas, o sea que, a pesar de que sigan una línea argumental, todo lo ocurrido se siente ajeno a sí mismo como es el caso de Mayor y su mejor amigo Batrou; quienes en la primera película entiendes que son muy buenos amigos por como se comportan entre ellos y a través de hechos, a diferencia de la segunda película donde Batrou busca en cada momento decirle a Mayor de que son amigos y ella se comporta “indiferente ante eso”. Cambiando el tema original por una historia de crímenes y muerte, resulta incómodo ver para el espectador todo esa trama tan distinta de relaciones personales completamente ajeno y alejado de la trama principal, siendo que esas tramas secundarias se cruzan con la principal (que hasta el momento apenas ocupaba unos minutos) y se van desarrollando alrededor de los asesinatos que pasan a ser el tema principal. Pero ya era demasiado tarde y la audiencia se había perdido. Bertolt Brecht explica este fenómeno con sus teorías y técnicas dramáticas (o más bien anti-dramáticas); la disonancia cognitiva: “El espectador no debería ser pasivo y verse atrapado por las emociones, sino que debía ser activo y crítico ante lo que se le presentaba delante.” (Libros Selectos, Mascheru, 2003). La disonancia cognitiva, es un concepto que nos puede resultar útil para analizar el porqué del efecto de ciertos recursos narrativos y, si nos dedicamos a escribir, para crear personajes, tramas y conflictos.
- Ambas películas, cada una con su estilo diferente y con su forma de explicarse, son un gran ejemplo de cómo usar el entorno de forma inteligente. Si Neuromanter de William Gibson es el exponente del género cyberpunk en la literatura, Ghost in the Shell en sus ambas versiones, es considerada como descendiente de ésta novela gracias en la forma de explicar una historia de manera audiovisual con ayuda de signos y citas visuales. En el caso de la primera película por sus referencias, su manera de diseñar psicologías de personajes, la dialéctica que maneja y su argumento; y en el caso de la segunda por construir una ciudad que refleja al milímetro a los que viven en ella, dándonos como muestra como debería ser una ciudad fantasma que con o sin habitantes se vería igual.
2. Filosofía y Religión VS Acción y Espectáculo: Lo que pasó
aquí es lo que llama Bertolt Brecht una: “tremenda disonancia cognitiva entre
lo que la serie le prometía (suspense y preguntas filosóficas) y lo que le estaba dando (ciencia ficción y
persecución policiaca)” y eso fue lo que le generó un gran rechazo ante los
receptores. Es por eso que, cuando por fin llegó la acción y la trama despegó
con lo que prometía, la gente ya no estaba ahí para verlo. Sí, claro que la
campaña publicitaria tuvo algo que ver, es una poderosa herramienta expresiva
que puede ayudarnos a crear historias o efectos narrativos dentro de ellas,
invitarnos a ver historias distintas. En el caso de la nueva película de Ghost
in the Shell no es que se usara mal… sino que siguió un mal planteamiento de
las tramas, pero que aún así funcionó de manera positiva gracias a su
trascendencia y lo que la gente ya esperaba de la misma, además de que
escogieron los mejores planos para favorecer a la actriz en pantalla. Por lo que podríamos concluir en base a la definición
de la disonancia cognitiva que vimos anteriormente, y es: crear una tensión que
intuitivamente intentaremos reducir generando nuevas ideas, sensaciones o
sentimientos. Esto, que en la construcción de nuestra estructura ideológica o
moral puede llevarnos a disparates.
Ghost in the Shell,
en ambas versiones ejemplifica de un modo bestial el ambiente cyberpunk,
mostrándonos en tomas largas la decadencia de los edificios, la contaminación y
suciedad, la continua edificación en forma vertical y sin ventanas, contraste
de viviendas nuevas ante las viejas y, por supuesto, la publicidad (muchísima).
En la primera película, al inicio, vemos a un avión volar reflejado en el agua
que se acumula por la lluvia pero no lo vemos en el cielo porque está muy gris,
luego nos muestran un plano general de la ciudad y nos da la perspectiva de que
es enorme y que aún así la gente sigue creciendo dentro de ella sin necesidad de
involucrarse mucho con ella; en la primera no se enfoca en mostrarnos en que la
gente salga a consumir, es más, las personas que salen van a los mercados a
comprar y ni siquiera tienen ganas de verse a la cara y en la segunda película,
nos muestra tanto la escena del avión como la necesidad de consumir de las
personas y que éstas no iba a ceder con el paso de los tiempos, además,
teniendo en cuenta que la publicidad usa la tecnología para expandirse, en el
universo que se planeta, se ve de manera más exagerada a como la vemos hoy en
día. Lo que nos lleva entonces al siguiente aspecto: las personas. En ambas
películas, cuando hay una persecución entre Mayor y la policía que la persigue
las enormes aglomeraciones de personas, te las muestran de tal manera que a
pesar de estar “apretadas” se siente esa sensación de distancia y desdibujo, lo
que a veces nos llevaba a sentir que los cyborgs se han vuelto más emotivos que
los humanos, a excepción del villano que siempre te lo muestran caminado en
dirección contraria con facilidad entre las personas, como si fuese un ente
invisible que solamente Mayor puede ver.
En el caso de la nueva entrega se tocan temas como la corrupción de empresas, los engaños y el mercado negro o tráfico de cuerpos tecnológicos que se implantan en los cuerpos vivos como moda o tendencia curativa, pero a diferenta de su predecesora, la versión del 2017 te cuenta la información a cuenta gotas, enfocándose más en cómo se ve que en por qué se ve.
Por ejemplo, en la película original cuando Mayor habla con su jefe Daisuke
Aramaki, él le explica sobre un hacker, a quien llaman America o El titiritero,
que esta destruyendo las mentes artificiales de las personas y corrompiendo los
cuerpos humanos y que ella debe tener cuidado porque él busca tener “su ghost”,
a diferencia de la nueva versión, Aramaki la regaña por haber arriesgado a su
equipo, ella le pregunta que es lo que sucede y él le contesta que no lo sabe, por
consiguiente podemos darnos cuenta de que en la nueva entrega prefirie
enfocarse en dónde y por qué está pasando, que en quiénes lo están causando y
por qué lo están causando; lo que nos lleva a otra gran diferencia entre la
original y la nueva, la original es algo más íntima con sus protagonistas,
funcionando como un diario, en cambio la nueva busca llamar tu atención con
escenarios llamativos sin intención de que se entable relación con los
personajes principales, sintiéndolos ajenos todo el tiempo, inclusive en su
propio universo.3. Conclusión: Como es de esperarse, todas las preguntas anteriores se vuelven más fáciles de entender cuando se nos presentan películas como Blade Runner, Artificial Inteligence (A.I.) o Matrix, en las cuales las organizaciones corporativas y los avances tecnológicos en niveles generales borran esa delgada línea separativa que provoca esas preguntas sobre que es humano y que no. Pero estos avances, no es dado por nadie más que por los seres humanos, una especie de logro considerando que todo empezó con el descubrimiento del fuego y la creación de la rueda. Por consiguiente, es posible que la humanidad se vea afectada cuando se llega a puntos tan extremos como la creación de un Cyborg capaz de elegir con libre albedrío y ser consciente de su propia existencia, desvinculándose de esas cadenas a las que fue sometido, esa incertidumbre de que podría pasar y que consecuencias podría ocasionar es lo que mantiene a la humanidad intrigada.
Esto podemos contestarlo gracias a la
intetextualidad que nos ofrece Genette: “La intertextualidad es la relación
entre un texto y otro […] La labor semiótica es buscar un modelo para la
construcción del sentido poético.” Y con esto podemos decir que, respecto
al contenido de la segunda película, en su esfuerzo por adaptarse a la mayor
cantidad de público posible, al simplificar y reducir la complejidad de la
trama, dejando de lado la reflexión sobre la humanidad y la autoconciencia. Y
en su lugar, nos han colocado una historia similar a la de Frankenstein; una
criatura rebelándose contra su creador. Porque en esa búsqueda de hallar el
sentido poético, la película intentó darlo todo con efectos visuales como
alusiones de la original, evitando las citas bíblicas que fueron eliminadas
para evitar alguna polémica; y es por eso que el público sintió rechazo ante
ésta nueva versión, porque saben que no es un plagio de la original por todos
los aspectos que se respetan pero si la película se considera a sí misma un
homenaje, por todo lo que hemos analizado anteriormente, es un listón que le
queda muy alto. Tal vez, por eso último, al tratarse de la adaptación de una
obra de culto compleja de entender, desde su título y banda sonora hasta su
versión manga y sus diferentes finales… si no se vendiera con la idea de que va
a darte lo original y terminara dándote otra cosa (o sea, que la película
llegase a serle fiel a su predecesora), los receptores no serían tan duros con
ella. Pero cuando alguien hace un remake, debe saber que el beneficio
publicitario del nombre también conlleva una cierta responsabilidad con la obra
original. Y en este caso, no hay duda de que esta versión de Ghost in the Shell no ha sabido estar a
la altura de su título.
Quizás es hasta
cierto punto inevitable, que tarde o temprano, todas o la mayoría de obras de
manga o anime acaben readaptándose para un público masivo pasando por el filtro
estadounidense, dado el atractivo de su material; claro, sin olvidar que se
escogerán las que concuerden más a la cognición de la realidad de los
norteamericanos por lo mismo que comentaba con anterioridad. Pues entre más se
distribuyan éste tipo de productos, se conquistará con mayor facilidad a los
que gustan ese tipo de historias.
Sin embargo, habría que ver hasta qué punto la adaptación normativa que aplica
el cine occidental sobre los productos orientales, afectando a aquellos
directores que buscan difundir el producto original respetando las diferentes
formas de pensar de cada cultura y no ser presionados por los estudios o los
productores que deben obedecer a la empresa que se encarga de publicitar y
distribuir la película, causando muchos conflictos y cancelaciones de muchos
proyectos o, en el mejor de los casos, distribuyendo ese tipo de historias
diferentes a las comerciales para entonces normalizarlas, aunque eso significa
el riesgo de que las obras originales “pierdan” su esencia original, porque ya
han sido vistas en otras historias ajenas.
Aprovechando este final debo concluir con esto: así que prontamente seguiré haciendo reseñas, tal vez desaparezca por un largo periodo pero hoy no es ese día (para vuestra desgracia) y por favor, espero que nadie malinterprete mis reseñas o las use de excusa o me desacredite. Que esto lo hago por que me gusta, no recibo nada más que satisfacción propia (pero eso ya lo saben). Y por supuesto, muchísimo ánimo allá en la tierra donde pertenezcan.
Y nada más que decir, gracias por leer las tonterías de esta aprendiz de bruja.
Un abrazo muy fuerte.
@SofiaLuCa18
Aprovechando este final debo concluir con esto: así que prontamente seguiré haciendo reseñas, tal vez desaparezca por un largo periodo pero hoy no es ese día (para vuestra desgracia) y por favor, espero que nadie malinterprete mis reseñas o las use de excusa o me desacredite. Que esto lo hago por que me gusta, no recibo nada más que satisfacción propia (pero eso ya lo saben). Y por supuesto, muchísimo ánimo allá en la tierra donde pertenezcan.
Y nada más que decir, gracias por leer las tonterías de esta aprendiz de bruja.
Un abrazo muy fuerte.
@SofiaLuCa18
4. Referencias bibliográficas:
- Barthes, R. (2003). La muerte del autor. 1st ed. España: tigrillas.
- Benjamin, W. (2003). La obra de su arte en su época de reproductividad. 5th ed. México: Porrúa.
- Ficción, P. and Ficción, P. (2017). Leyendo ciencia ficción #7 - Neuromante y Ghost In The Shell. [online] iVoox. Available at: https://www.ivoox.com/leyendo-ciencia-ficcion-7-neuromante-ghost-audios-mp3_rf_11376533_1.html [Accessed 10 Jun. 2017].
- Genette, G. and Fernández Prieto, C. (1989). Palimpsestos. 1st ed. Madrid: Taurus.
- Los mejores directores japoneses. (2017). [video] España, Youtube: Lolweapon.
- Muschera, M. (2009). La disonancia cognitiva en el cine y la televisión. Libros Selectos, Salamandra.
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